Figure centrale du renouveau artistique qui caractérise le début du XX? siècle, Tarsila do Amaral (1886-1973) fait partie des artistes les plus connus et aimés au Brésil. Mêlant les imaginaires indigène, populaire et moderne, elle a créé un oeuvre original, qui a marqué l'univers visuel brésilien jusqu'à nos jours. Dès les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, Tarsila do Amaral est une passeuse incontournable entre les avant-gardes des deux capitales culturelles en pleine effervescence. Elle inspire, par sa peinture, les mouvements Pau-Brasil et anthropophage, dont la quête d'un Brésil authentique et moderne, multiculturel et multiracial vise à refonder sa relation avec les «centres» européens de la colonisation. La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu'aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d'un oeuvre toujours ancré dans son temps, qui ne cesse de soulever des questions identitaires et sociétales encore très actuelles, au Brésil comme en Europe.
À la suite d'Yves Klein USA, Yves Klein Germany et Yves Klein Japon, ce livre, préparé en collaboration avec les Archives Yves Klein, présente près de 150 documents d'archives, photographies et correspondances liées à l'artiste. À travers ses voyages, dont il cultive le goût depuis les années 1940, ses échanges et ses rencontres artistiques ou personnelles, le lecteur découvre les rapports entre Yves Klein et l'Italie et les relations que l'artiste a pu y tisser, en particulier avec des artistes tels que Lucio Fontana ou Piero Manzoni qui, comme lui, ont su marquer leur temps. Assise, Venise, Rome, ou encore Milan, chacune de ces villes a ainsi marqué la vie de l'artiste du bleu, dont la première exposition à l'étranger en 1957, « Proposte monochrome, epoca blu », eu d'ailleurs lieu à la Galerie Apollinaire à Milan. « J'ai reçu un grand choc en découvrant à Assise, dans la basilique de Saint-François, des fresques scrupuleusement monochromes, unies et bleues que je crois pouvoir attribuer à Giotto. Elles pourraient être de l'un de ses élèves, de quelque disciple de Cimabue ou encore de l'un des artistes de l'École de Sienne. Le bleu dont je parle est de la même nature et de même qualité que le bleu des ciels de Giotto dans la même basilique à l'étage supérieur. En admettant que Giotto n'ait eu que l'intention figurative de montrer un ciel pur et sans nuage, cette intention est tout de même bien monochrome. » Yves Klein
Catalogue d'une exposition mettant en évidence la proximité des recherches du sculpteur suisse et du photographe japonais à travers une reconstitution d'une scène de théâtre nô, entre apparitions et réalité.
Accompagnant la première exposition belge de Fernando Botero, ce catalogue invite à parcourir l'ensemble de la carrière de l'artiste colombien et à explorer les sources de son style original, voué à exalter, dans tous les sujets, les qualités formelles des volumes. Cinq essais inédits de spécialistes internationaux, abordant l'oeuvre de Botero d'autant de points de vue différents, éclairent d'une lumière nouvelle un répertoire foisonnant d'images qui fait déjà partie de notre imaginaire collectif, mais qui, à première vue, semble échapper aux codes conventionnels de la peinture moderne. « Au-delà des formes », et loin de toute idée reçue, on découvre une oeuvre où la grande liberté formelle ne déroge jamais à la maîtrise rigoureuse des techniques traditionnelles; où la simplicité apparente est le résultat d'une étude approfondie de l'histoire de l'art et des cultures populaires ; où le parti pris de la figuration et la volonté de créer une oeuvre accessible à tout un chacun naissent d'une réflexion constante sur les acquis de l'art de son époque et sur son rôle dans la société. Autant de clés de lecture pour mieux apprécier, à travers ce livre, cette caresse de couleurs et de formes unique dans son genre, qu'on ne se lasse jamais d'admirer.
This is the premiere retrospective devoted to the Colombian painter and sculptor Fernando Botero in a Belgian museum. It will cover the artist's entire career, from his youthful research, which is little known to the general public, to the iconic works of his maturity, including recent paintings presented for the first time. The exhibition, Fernando Botero, brings together important works borrowed from prestigious museums, of which historic paintings rarely shown to European audiences, and paintings, drawings and sculptures from international private collections. The tour takes visitors into Botero's abundant universe, inspired as much by pre-Columbian art and popular iconography as by Mexican muralists and Italian Renaissance art. At the centre of the exhibition, about fifteen works from the little-known collections of the BAM will illustrate the major inspirations of the Colombian artist around different themes: still-lifes, nudes, genre scenes, etc. Fernando Botero, au-delà des formes is part of a new generation of exhibitions that offer a new perspective on art and reveal how artists are reappropriating the myths, legends and canonical themes that shape the history of Western art. Renowned for his round and voluptuous figures, reflecting the artist's taste for satire and caricature, Botero's work (1932-) is the result of demanding and determined research, in which the artist has been engaged for more than 70 years. The artist is known for the diversity of the sources of his work, inspired as much by Colombian folk imagery or Mexican muralists as by the art of the Renaissance and the emblematic works of Diego Velázquez, Pablo Picasso or Francisco de Goya.
Artiste majeur du XXe siècle, Alberto Giacometti a produit une oeuvre prolifique et hors norme, dans l'espace mythique de son atelier de Montparnasse à Paris. Des travaux de la période pré-surréaliste et surréaliste, à ceux de la maturité centrés sur la figure, cet ouvrage propose une relecture originale d'une trajectoire artistique sans équivalent.
Richement illustré, le livre explore les grands axes de cette quête artistique qui, au travers des sculptures, peintures, dessins et lithographies, s'emploie à restituer la complexité de l'expérience humaine.
À la suite d'Yves Klein USA, Yves Klein Germany et Yves Klein Japon, ce livre,
préparé en collaboration avec les Archives Yves Klein, présente près de 150
documents d'archive, photographies et correspondances liées à l'artiste. À travers
ses voyages, dont il cultive le goût depuis les années 1940, ses échanges et ses
rencontres artistiques ou personnelles, le lecteur découvre les rapports entre Yves
Klein et l'Italie et les relations que l'artiste a pu y tisser, en particulier avec des
artistes tels que Lucio Fontana ou Piero Manzoni qui, comme lui, ont su marquer
leur temps.
Assise, Venise, Rome, ou encore Milan, chacune de ces villes a ainsi marqué la vie
de l'artiste du bleu, dont la première exposition à l'étranger en 1957, « Proposte
monochrome, epoca blu », eu d'ailleurs lieu à la Galerie Apollinaire à Milan.
À la suite d'Yves Klein USA, Yves Klein Germany et Yves Klein Japon, ce livre, préparé en collaboration avec les Archives Yves Klein, présente près de 150 documents d'archives, photographies et correspondances liées à l'artiste. À travers ses voyages, dont il cultive le goût depuis les années 1940, ses échanges et ses rencontres artistiques ou personnelles, le lecteur découvre les rapports entre Yves Klein et l'Italie et les relations que l'artiste a pu y tisser, en particulier avec des artistes tels que Lucio Fontana ou Piero Manzoni qui, comme lui, ont su marquer leur temps.
Assise, Venise, Rome, ou encore Milan, chacune de ces villes a ainsi marqué la vie de l'artiste du bleu, dont la première exposition à l'étranger en 1957, « Proposte monochrome, epoca blu », eu d'ailleurs lieu à la Galerie Apollinaire à Milan.
« J'ai reçu un grand choc en découvrant à Assise, dans la basilique de Saint-François, des fresques scrupuleusement monochromes, unies et bleues que je crois pouvoir attribuer à Giotto. Elles pourraient être de l'un de ses élèves, de quelque disciple de Cimabue ou encore de l'un des artistes de l'École de Sienne. Le bleu dont je parle est de la même nature et de même qualité que le bleu des ciels de Giotto dans la même basilique à l'étage supérieur. En admettant que Giotto n'ait eu que l'intention figurative de montrer un ciel pur et sans nuage, cette intention est tout de même bien monochrome. »
Yves Klein
