Rayons
- Arts et spectacles (3001)
- Vie pratique & Loisirs (179)
- Tourisme & Voyages (74)
- Religion & Esotérisme (68)
- Bandes dessinées / Comics / Mangas (56)
- Merchandising (56)
- Sciences & Techniques (51)
- Sciences humaines & sociales (32)
- Littérature (25)
- Entreprise, économie & droit (21)
- Jeunesse (8)
- Fantasy & Science-fiction (2)
- Parascolaire (1)
- Dictionnaires / Encyclopédies / Documentation (1)
Taschen
-
Pour ceux d'entre vous qui ont remplacé l'agenda par le smartphone, TASCHEN a créé la collection 365 Day-By-Day, grâce à laquelle vous ressentirez à nouveau ce doux frisson analogique de la page tournée chaque matin. Tous les jours, vous découvrirez une photo associée à une citation : une source d'inspiration constante sur votre bureau. Au bout des 365 jours, vous n'aurez plus qu'à retourner au début de l'album, et recommencer à l'effeuiller!
-
Avec son échelle au 1/200 000 soit 1cm = 2km et son relief image satellite, la carte LOCAL Toscana Michelin vous offre une vision précise de la topographie. Grâce aux indications touristiques (points de vue, parcours pittoresques...) elle vous permet d'explorer toutes les richesses et les curiosités locales en profondeur. Pour mieux vous repérer et vous déplacer : index des localités, tableau des distances et des temps de parcours et plans de ville. Cartes et atlas Michelin, trouvez bien plus que votre route!
-
Dans l'histoire de l'art du XXe siècle, un nom domine tous les autres: Pablo Picasso (1881-1973). Comme peintre, artiste graphique, aussi bien que comme sculpteur, il a fait preuve d'un esprit d'invention incomparable et d'un courage dans l'innovation qui lui ont toujours donné un temps d'avance sur ses contemporains. Comme le disait, désabusé, l'un d'entre eux, le peintre Max Ernst: "Personne ne peut atteindre Picasso. Il est le génie incarné." Les oeuvres sélectionnées dans cet ouvrage couvrent toute la production de Picasso, de ses oeuvres-clef comme Guernica aux moins connues, des périodes bleue et rose du début de sa carrière à l'implication politique de l'art de Picasso, sans oublier ses phases cubistes et classicistes ni ses expériences formelles des années 1930.
-
Perhaps best known for his exceptional apples and pears, Paul Cézanne (1839-1906) was one of the founding fathers of modern art. Though he was underappreciated and highly criticized during his life, as time passed Cézanne's work came to be considered of inestimable importance. His method of experimentation with abstraction and perspective was an important precursor to modern painting, particularly cubism.
-
-
Christo et Jeanne-Claude : l'Arc de Triomphe, Wrapped
Lorenza Giovanelli, Jonathan William Henery, Wolfgang Volz
- Taschen
- Varia
- 28 Septembre 2021
- 9783836579520
En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25.000 mètres carrés de toile recyclable et 3.000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet. Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped est éphémère, seulement présenté pendant 16 jours, jusqu'au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique a été emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument. Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse.
-
-
Au cours de sa carrière artistique, Wassily Kandinsky (1866-1944) n'a pas simplement transformé son propre style, il a aussi bouleversé le cours de l'histoire de l'art. Après avoir commencé par des tableaux figuratifs et des paysages, il s'est lancé dans une utilisation spirituelle, sensible et rythmique de la ligne et de la couleur et est aujourd'hui considéré comme l'auteur du premier tableau abstrait.
En plus d'être un artiste, Kandinsky, était aussi professeur et théoricien, et l'intérêt qu'il portait à la musique, la poésie, la philosophie, l'ethnologie, l'occulte, au théâtre et au mythe nourrissait ses tableaux et ses gravures. Il a fait partie des deux groupes influents du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et du Bauhaus et a laissé derrière lui de fascinantes oeuvres visuelles, mais aussi de grands traités comme Du Spirituel dans l'art. Parmi les principes clés qu'il expose, on trouve les correspondances entre peinture, musique et expérience mystique, et la purification de l'art qui se détache du réalisme matériel pour aller vers une expression émotionnelle, notamment condensée par la couleur.
Ce livre met en valeur des oeuvres majeures de Kandinsky pour présenter sa palette de couleurs vives, de formes et d'émotions. En retraçant l'évolution radicale du style de l'artiste, il montre comment le parcours d'un peintre a ouvert la voie de l'expression abstraite à des générations d'artistes. -
Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du pop art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.
Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: «Je veux être une machine», il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé Factory.
Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art «d'en haut» et «d'en bas» en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité. -
Parmi ceux à qui l'on doit notre représentation fantasmée de Paris le peintre et graphiste Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) n'est pas des moindres. À travers ses gravures, affiches, peintures et dessins, l'artiste a immortalisé la vie nocturne parisienne à la Belle Époque et a fait figurer le quartier de Montmartre, au nord de la ville, parmi les premières destinations de plaisir et de création du monde.
Descendant d'une vieille famille de la noblesse française, Toulouse-Lautrec semble avoir été attiré très tôt par le monde des plaisirs, s'intéressant aux salles de danse, aux cabarets et aux maisons closes de Montmartre, et choisissant comme sujets de célèbres danseuses et chanteuses, telles que Jane Avril. Ses oeuvres représentent à la fois des scènes animées de spectacles et des portraits posés et sensibles saisis hors scène, notamment dans Le Sofa ou Le Lit. D'un point de vue stylistique, il maîtrisait autant l'art graphique, comme en témoigne ses affiches publicitaires de Jane Avril, que celui de l'esquisse, dessin libre et pourtant puissamment évocateur.
Malgré sa mort précoce à 36 ans, en raison de complications dues à l'alcoolisme et à la syphilis, l'influence culturelle de Toulouse-Lautrec fut immense. Cet ouvrage introductif nous emmène dans un univers de chanteuses, danseuses, musiciens et prostituées, et révèle ainsi un artiste profondément humain, doué d'un talent de figuration étonnant et d'un sens évident pour saisir l'énergie et les légendes de la ville. -
Par son style graphique, ses figurations distordues et son mépris pour les canons conventionnels de la beauté, Egon Schiele (1890-1918) a été un pionnier de l'expressionnisme autrichien et un des portraitistes les plus surprenants du XXe siècle. Avec Gustav Klimt pour mentor, Schiele s'est d'abord essayé à un style Art nouveau étincelant avant de développer sa propre esthétique agressive, sans concession, faite de lignes acérées, de nuances intenses et de silhouettes expressives et distordues. Ses très nombreux portraits et autoportraits ont frappé l'establishment viennois par leur intensité psychologique et sexuelle sans précédent, privilégiant les poses érotiques, crues ou troublantes où ses modèles, tantôt squelettiques et maladifs, tantôt forts et sensuels, sont recroquevillés sur le sol, se languissent, les jambes écartées, lancent un regard noir au spectateur ou exhibent leur sexe au premier plan. Nombreux sont ses contemporains à avoir trouvé l'oeuvre de Schiele laide et immorale, ce qui a valu à l'artiste un court séjour en prison pour obscénité, en 1912. Aujourd'hui, on célèbre son oeuvre pour son approche révolutionnaire du corps humain et son talent pour le dessin, d'une intensité qui touche presque à la folie. Ce livre met en avant des oeuvres clé de Schiele pour présenter sa carrière aussi fascinante que fulgurante et sa profonde contribution au développement de l'art moderne qui touche encore des talents d'aujourd'hui, comme Tracey Emin ou Jenny Saville.
-
Créateurs de mode A-Z
Valerie Steele, Suzy Menkes, Robert Nippoldt
- Taschen
- 40
- 2 Mars 2023
- 9783836587556
D'Azzedine Alaïa, Cristóbal Balenciaga et Coco Chanel à Alexander McQueen, Yves Saint Laurent et Vivienne Westwood, cette nouvelle édition de Fashion Designers A-Z rend hommage aux grands noms qui ont signé la mode durant plus d'un siècle à travers les collections permanente du musée du Fashion Institute of Technology de New York.
Cet recueil mis à jour et plus accessible rassemble des photographies de centaines de vêtements choisis parmi les collections permanentes du musée. Robe du soir précieuse en velours brodé ou minimalisme chic à la Mondrian, chaque pièce a été sélectionnée pour sa beauté bien sûr, mais aussi pour son intérêt, en ce qu'elle est l'incarnation de la philosophie ou du style d'un des créateurs évoqués.
L'ouvrage est introduit par la directrice et conservatrice en chef du musée, Valerie Steele, qui raconte le développement des musées consacrés à la mode et l'émergence de l'exposition de mode comme phénomène populaire et controversé. La préface de la prêtresse du style Suzy Menkes ainsi que les textes signés par les conservateurs du musée reviennent sur le contexte historique de chaque marque et pièce présentées, tandis que les portraits de l'artiste Robert Nippoldt rendent hommage à ces grands créateurs. -
Le livre des symboles : réflexions sur des images archétypales
Collectif
- Taschen
- Varia
- 9 Juin 2011
- 9783836525749
Le Livre des symboles allie essais originaux et incisifs sur des symboles particuliers à des images représentatives provenant de tous les horizons et de toutes les époques de l'histoire. Les textes très accessibles s'associent de façon originale à près de 800 magnifiques images en couleurs pour transmettre les dimensions voilées du sens. Chacun de ces quelque 350 essais examine les origines psychiques d'un symbole donné et la manière dont il évoque les processus et dynamiques psychiques. Les racines étymologiques, les jeux d'opposition, le paradoxe et l'ombre, les différentes manières dont les diverses cultures ont fait naître une image symbolique: tous ces facteurs sont pris en compte.
Rédigés par des auteurs spécialisés dans les domaines de la psychologie, de la religion, de l'art, de la littérature et de la mythologie comparée, les essais entrent en résonance de manière à refléter les correspondances inattendues de la psyché. Il n'existe pas de définitions immuables, qui auraient tendance à écraser les symboles; un symbole encore essentiel demeure partiellement inconnu, attire notre attention et s'offre sous de nouvelles manifestations et de nouveaux sens au cours du temps. Plutôt que de proposer de simples catégories, Le Livre des symboles met en lumière la manière dont on passe de l'expérience visuelle d'une image symbolique dans l'art, la religion, la vie ou les rêves, à l'expérience directe de ses résonances personnelles et psychologiques.Le Livre des symboles établit de nouvelles références pour l'exploration consciencieuse des symboles et de leurs significations et intéressera une grande diversité de lecteurs: artistes, designers, rêveurs et interpréteurs de rêves, psychothérapeutes, autodidactes, amateurs de jeux vidéos, lecteurs de BD, chercheurs en religion et en spiritualité, écrivains, étudiants et tous ceux qui s'intéressent au pouvoir des images archétypales. -
Les toiles captivantes de Frida Kahlo (1907-1954) étaient à bien des égards l'expression d'un traumatisme. Très grave accident de la route à 18 ans, santé fragile, mariage houleux, fausse couche et absence d'enfant, elle transforma toutes ses souffrances en art révolutionnaire.
Dans ses autoportraits fidèles ou métaphoriques, Kahlo pose sur le spectateur un regard brûlant d'audace, elle rejette son destin de victime passive et préfère entrelacer les expressions de son expérience pour façonner un lexique vital hybride où se mêlent réel et surréel: cheveux, racines, veines, tendons et trompes utérines. Nombre de ses oeuvres explorent aussi les idéaux politiques communistes qu'elle partage avec Rivera. Elle décrivit ses toiles comme «la chose la plus sincère et la plus réelle que je pouvais faire pour exprimer ce que je ressentais à l'intérieur et à l'extérieur de moi-même».
Ce livre présente l'oeuvre foisonnante de Frida Kahlo et explore sa détermination sans faille en tant qu'artiste, son importance en tant que peintre, icône féministe et pionnière de la culture latino-américaine. -
La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise. Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.
-
Qu'on admire l'imposante Sagrada Familia, la façade scintillante et texturée de la Casa Batlló ou les paysages enchanteurs du Parc Güell, on comprend aisément qu'Antoni Gaudi (1852-1926) soit nommé l'«architecte de Dieu». Avec ses formes fluides et sa précision mathématique, son oeuvre exalte le miracle de la création naturelle: des colonnes se dressent comme des troncs d'arbre, l'encadrement des fenêtres ondulent comme des branches chargées de bourgeons et les carreaux de céramique scintillent comme une peau écailleuse, reptilienne.
Riche de l'attention exceptionnelle apportée aux détails naturels, l'inspiration qu'il puisa à la fois dans le style néo-gothique et dans l'esthétique orientaliste, et son engagement de longue haleine pour l'identité catalane, Gaudi représente un courant unique du mouvement Modernista qui transforma et définit encore le paysage urbain de Barcelone.
Cet ouvrage explore l'extraordinaire vision et l'héritage unique de Gaudi, dont 7 bâtiments sont inscrits au patrimoine mondial de l'humanité établi par l'UNESCO, à travers son influence et les détails qui font que ces édifices sont encore aujourd'hui, un siècle après leur création, sources d'admiration, de respect et d'inspiration. -
Depuis quand un urinoir n'est plus un urinoir? Depuis que Marcel Duchamp (1887-1968) a déclaré que c'était de l'art. Le tollé soulevé par l'artiste français et sa Fontaine (1917), un urinoir en porcelaine installé dans une galerie, a provoqué des ondes de choc qui se sont propagées dans le monde institutionnel de l'art jusqu'à aujourd'hui.Duchamp a bâti son oeuvre sur la remise en cause de la notion d'art et a, en cours de route, ouvert notre esprit à des possibilités alors insoupçonnées. Après avoir indirectement adopté le cubisme au début de sa carrière, l'artiste s'est fait connaître avec son Nu descendant un escalier (1912), un mélange inédit d'abstraction, de cubisme et de futurisme, où la controverse est née du nu que l'on croit reconnaître à la mécanique décomposée de son mouvement. Au même moment, Duchamp entame son incursion vers les désormais iconiques «readymades» - des objets choisis apparemment au hasard que Duchamp présente comme des oeuvres d'art - tels que la Roue de bicyclette (1913), le Porte-bouteilles (1914) et une pelle à neige, intitulée En prévision du bras cassé (1915).
Duchamp a provoqué bien des apoplexies parmi les spectateurs respectueux des traditions, en commettant des outrages tels que L.H.O.O.Q. (1919), pour lequel il exposa une mauvaise copie de la Mona Lisa de Léonard de Vinci affublée d'une moustache et d'une barbiche avec, pour faire bonne figure, un jeu de mot trivial que découvre le public en prononçant une à une les lettres du titre.
Cet ouvrage aborde tous les aspects osés et scandaleux de l'art de Duchamp dans un panorama qui reprend l'essentiel de ses oeuvres, et évoque non seulement sa créativité novatrice, mais aussi une période décisive de l'art occidental. Car c'est à ce moment, parmi les charges répétées contre les grands maîtres et la parodie de poésie censée naître des objets trouvés, que l'art a effectué sa première transition, des expériences purement «rétiniennes» vers une pratique évoluant vers un art conceptuel. -
Paul Gauguin (1848-1903) n'était pas fait pour la finance. Ni pour faire carrière dans la marine française, ni pour demeurer vendeur de bâches à Copenhague sans parler un mot de danois. C'est dans son temps libre qu'il débuta la peinture en 1873 et participa en 1876 au Salon de Paris. Trois ans plus tard, il était exposé aux côtés de Pissaro, Degas et Monet.
Homme bourru, grand buveur, Gauguin se qualifiait lui-même aussi de sauvage. Son étroite mais difficile amitié avec le tout aussi imprévisible Vincent van Gogh connut un violent épilogue en 1888, quand Van Gogh se défend soi-disant de Gauguin avec une lame de rasoir et, l'instant d'après, se tranche l'oreille. Peu après, ayant achevé La vision après le sermon (1888), chef-d'oeuvre marquant le milieu de sa carrière, Gauguin décide de partir pour Tahiti avec l'intention d'échapper à «tout ce qui est artificiel et conventionnel...» Sur place, Gauguin jouit sans entraves de la nature de l'île, des autochtones et de la profusion des images qui lui inspirent une production foisonnante de peintures et de gravures. À travers des oeuvres comme La femme à la fleur (Vahine no te Tiare, 1891) ou Joie de se reposer (Nave Nave Moe, 1894), il développe un style particulier, primitif, rayonnant intensément de lumière et de couleurs. Dans la tradition de la sensualité exotique, ses coups de pinceau denses, débordant de peinture, épousent et s'attardent sur les courbes des tahitiennes.
Gauguin meurt seul, sur les îles Marquises voisines de Tahiti, la plupart de ses affaires ayant été dispersées dans des ventes aux enchères locales. Il a fallu attendre qu'un habile marchand d'art commence à collectionner et à montrer l'oeuvre de Gauguin à Paris pour que la profonde influence du peintre se fasse réellement sentir, notamment auprès de la nouvelle génération des artistes français d'avant-garde, tels que Picasso et Matisse. Cet ouvrage présente un aperçu essentiel de l'univers de l'artiste, si riche en couleurs, depuis les Salons impressionnistes parisiens des années 1870 jusqu'à la fin de sa vie, productive et passionnée, dans le Pacifique. -
Les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude sont des monuments fugaces. Gigantesques par leur envergure, ils sont toujours éphémères, créés pour n'exister que pendant un temps défini et ne laisser derrière lui que des impressions uniques, inégalables. «Depuis les plus petits Emballages réalisés à Paris au début des années 1960, jusqu'au motif délicat dessiné par des centaines de branches enlacées dans un voile textile translucide... les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude n'ont rien d'abstrait, rien d'imaginé; tout est là - corporel et tangible.» (Lorenza Giovanelli) Entre biographie, analyse critique et catalogue, cette édition actualisée remet à l'honneur la fameuse Édition collector de TASCHEN. Elle revient sur l'ensemble de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, depuis les premiers dessins et les photos de famille jusqu'aux plans des futurs projets. Des centaines de photographies et d'oeuvres originales retracent les créations du couple ces 10 dernières années, telles que The Floating Piers et The London Mastaba, et abordent les travaux en cours comme Le Mastaba, Projet pour les Émirats Arabes Unis et L'Arc de Triomphe Empaqueté, Projet pour Paris.
Avec l'importante documentation photographique de Wolfgang Volz, il forme une célébration de l'oeuvre de deux artistes dont l'imagination a touché le paysage de chaque continent. -
Deuxième moitié du XIXe siècle. Dans la campagne verdoyante près d'Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) pose frénétiquement son pinceau sur la toile, dessinant des paysages et des natures mortes qui deviendront bientôt les piliers de l'art moderne. Par ses épaisses touches de peinture aux couleurs intenses et son approche nouvelle et audacieuse de considérer la lumière et l'espace, il incarne le lien entre l'impressionnisme et les principaux mouvements du début du XXe siècle, devenant ainsi selon les mots de Matisse et Picasso, leur « père à [eux] tous ».
Cette nouvelle introduction consacrée à l'artiste a sélectionné, dans toute la production de Cézanne, les oeuvres essentielles pour comprendre son évolution, ses innovations et son influence décisive sur l'art moderne. De ses natures mortes aux poires et autres fruits à ses scènes de baignade en plein air, l'ouvrage retrace ses expérimentations avec la couleur, la perspective et les matières visant à peindre « une harmonie parallèle à la Nature », ainsi que sa façon particulière de regarder le monde et de le restituer en peinture.
Au fil des pages, on découvre les célèbres Joueurs de cartes de Cézanne, sa superposition de tonalités chaudes et froide qui créent en elles-mêmes les formes et les surfaces, ainsi que la rigueur géométrique de ses paysages inspirés des environs d'Aix-en-Provence, aussi lumineux sous le soleil du Sud de la France qu'audacieux dans leur traitement radicalement nouveau des proportions et de la profondeur. -
Peu d'artistes ont réussi une ascension aussi fulgurantedans l'histoire de l'art que la peintre mexicaine Frida Kahlo (1907-1954). Reconnaissable entre mille et représenté sur plus de cinquante autoportraits extraordinaires, son visage est admiré depuis des générations. Cette oeuvre unique, associée aux centaines de photos prises par de grands noms comme Edward Weston, Manuel et Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray ou Martin Munkacsi, a fait de Frida Kahlo une icône de l'art du XXe siècle.
Frida a décidé de devenir peintre après un accident survenu durant son l'adolescence. Son mariage avec Diego Rivera, en 1929, la propulse sur le devant de la scène artistique, non seulement au Mexique, mais aussi aux États-Unis et en Europe. Une personnalité comme André Breton a fait l'éloge de son travail et a inclus la peintre dans le cercle international des Surréalistes. En 1939, il expose ses oeuvres à Paris où Picasso, Kandinsky et Duchamp les admirent.
Ce livre offre au lecteur l'opportunité d'explorer les peintures de Frida Kahlo comme jamais auparavant. À l'aide de reproductions superbeset en interaction avec des photos célèbres de l'artiste, il présente des oeuvres provenant de collections privées, difficilement accessibles au grand public, ainsi que d'autres que l'on croyait perdues ou qui n'ont pas été exposées depuis plus de 80 ans.
Des dessins, des extraits de son journal intime, des lettres et une biographie abondamment illustrée de photographies de Frida, de Diego et de la Casa Azul - la maison de Frida et le centre de son univers - donnent un aperçu très personnel de la vie et de l'univers artistique de Frida Kahlo. -
Gustav Klimt ; dessins et peintures
Tobias G. Natter
- Taschen
- Bibliotheca Universalis
- 17 Mai 2018
- 9783836562898
Laissez-vous charmer par Gustav Klimt. Plus d'un siècle après sa mort, l'artiste viennois Gustav Klimt (1862-1918) éblouit toujours par son érotisme décomplexé, ses surfaces éblouissantes et sa créativité expérimentale. Cette monographie rigoureuse et claire rassemble tout l'oeuvre peint de Klimt et des commentaires de sommités de l'histoire de l'art, ainsi que de rares documents issus des archives personnelles de Klimt pour retracer l'évolution de son oeuvre captivante.
Grâce à des illustrations de la plus haute qualité, notamment de nouvelles photographies de la célèbre frise du palais Stoclet, le livre raconte Klimt, figure majeure de la Sécession en 1897, ses représentations sans fard du corps féminin et sa lumineuse «période dorée», au cours de laquelle les feuilles d'or vinrent apporter une texture et une tonalité chatoyantes à des oeuvres aussi populaires que Le Baiser et le Portrait d'Adele Bloch Bauer I, surnommé le portrait de «la Dame en or». -
Malgré les tribulations personnelles qui le maintiennent dans un mouvement constant, Ai Weiwei demeure un aimant culturel. Fondée sur ses positions politiques et son activité sur les réseaux sociaux comme sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du «ready-made» et sa connaissance de l'artisanat traditionnel chinois, la renommé d'Ai dépasse largement le monde de l'art.
Réalisée à partir de l'Édition collector limitée publiée par TASCHEN, cette monographie explore chaque étape de la carrière d'Ai, jusqu'à sa libération des geôles chinoises. Il comprend une large part de documents visuels qui retracent l'évolution du maître, depuis son premier séjour à New York jusqu'à ses dernières créations, et met l'accent sur certains moments déterminants : sa percée mondiale au début des années 2000, son oeuvre en porcelaine Sunflower Seeds pour le Turbine Hall de la Tate Modern, sa réaction après le tremblement de terre au Sichuan en 2008 et sa détention par la police en 2011. Grâce aux images des coulisses de son studio, aux photographies de production et aux nombreuses citations extraites d'interviews exclusives d'Ai, le livre offre un aperçu privilégié de sa méthode de travail, de ses influences et de son envergure.
L'ouvrage comprend des textes d'Uli Sigg, ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de la Suisse en Chine, et de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale. -
Riche d'une production artistique s'étendant sur près de soixante-dix ans, le Catalan Joan Miró (1893-1983) demeure une immense figure touche-à-tout de l'art moderne qui a produit des oeuvres maîtresses en peinture, sculpture, livres d'artiste, tapisserie et céramique, et a embrassé des courants de pensée aussi variés que le fauvisme, le surréalisme, le dadaïsme, le réalisme magique, le cubisme et l'abstraction.
Durant toute sa carrière, Miró a constamment évolué, cherchant à échapper à toute catégorisation et à l'approbation des critiques d'art «bourgeois» au fur et à mesure qu'il progressait dans l'élaboration de ses univers oniriques. Émergeant sous les projecteurs au début des années 1920, il expérimente le fauvisme et le cubisme, avant de développer son propre style fait de symboles et de pictogrammes organisés en scènes narratives visuelles pleines de mystère, faisant notamment référence à ses racines catalanes. Puis, Miró évolua vers le surréalisme et, bien qu'il ne fût jamais associé à ce mouvement, il apparaît comme l'un de ses praticiens les plus célèbres avec son usage de techniques telles que le dessin automatique, l'abstraction lyrique et la peinture en champs de couleur. Durant les dernières années, il diversifia ses supports, abordant des arts comme la céramique, le textile, et présentant même des sculptures gazeuses.
Couleurs vives, fantaisies oniriques et symboles énigmatiques, cet ouvrage réunit et dénoue les nombreux fils de l'oeuvre kaléidoscopique de Miró pour donner un aperçu de sa fascinante carrière, de ses relations avec les grands mouvements modernistes et des coulisses d'une légende du modernisme.
