• Le cinéma que je fais : écrits et entretiens Nouv.

    Marguerite Duras ne fut pas uniquement l'écrivain que l'on sait mais aussi une cinéaste audacieuse dont les films appartiennent au corps tout entier de son oeuvre. Cet ouvrage rassemble pour la première fois les écrits de Marguerite Duras concernant ses propres films (dix-neuf, réalisés de 1966 à 1985), son activité de cinéaste, ainsi que les entretiens les plus significatifs qu'elle a pu donner à ce propos. Jamais un tel recueil n'avait été entrepris, même pour India Song, son film le plus célèbre. Depuis La Musica (1966) jusqu'aux Enfants (1985), en passant par Détruire dit-elle, Le Camion, Le Navire Night, le livre est organisé par films dont Duras signe la réalisation (excluant les adaptations de ses livres et les films qu'elle a scénarisés comme Hiroshima mon amour).
    Pour chaque film, sont reproduits la plupart des textes qu'elle a rédigés dans le but de présenter et d'expliquer son travail au public, aux critiques, parfois aux acteurs eux-mêmes. Il lui arrive ainsi de raconter son film et son travail. On retrouve la parole vive et évocatrice de Duras, qui projette le lecteur dans son univers filmique radical et épuré, rejouant les liens dans son oeuvre entre littérature et cinéma. Duras parle de sa démarche, de ses principes d'écriture cinématographique, et surtout du paradoxe d'un cinéma qui cherche « à détruire le cinéma ». On assiste à sa tentative de dire le dépassement du cinéma, sa négation, comme celle du politique. Mais au-delà, ces textes parlent à chacun de l'existence, du monde, de l'écriture. Ici encore il s'agit de détruire, renverser, mais aussi d'aimer, d'oser. D'où l'intérêt de donner à lire ces écrits et entretiens comme des textes d'auteur à part entière.
    De nombreux textes sont inédits, d'autres demeuraient très difficiles d'accès. Certains ont fait l'objet de publication dans des dossiers de presse, des journaux, et des revues spécialisées au moment de la sortie des films. Quelques-uns ont été réédités dans des ouvrages collectifs.

  • Enfin le cinéma ! Nouv.

    À l'aube du XXe siècle, le cinéma propose un nouveau regard éminemment social et populaire. Il est le produit d'une culture urbaine fascinée par le mouvement des êtres et des choses et désireuse de faire de la « modernité » un spectacle. Les premières projections de « photographies animées » par les frères Lumière à Paris en 1895 sont les dernières-nées d'une longue succession de dispositifs visuels et d'attractions (du panorama aux musées de cire, en passant par la morgue, les aquariums et les foires) qui trouve son apogée lors de l'Exposition universelle de 1900 à Paris. Issus d'une tradition de la circulation des images, ces premiers films, encore imparfaits, sont également les héritiers de multiples pratiques, artistiques ou scientifiques, savantes ou vulgaires. Nombreuses sont les propositions ou interrogations formulées par les artistes du XIXe siècle qui ont précédé leur avènement que le cinéma prolonge, recycle, questionne, et bientôt dépasse. En ce sens, Jean-Luc Godard eut raison de rappeler que le cinéma fut inventé par le XIXe siècle.
    À l'instar de l'exposition qu'il accompagne, le catalogue Vivement le cinéma !
    Fait dialoguer la production cinématographique française des années 1895- 1907 avec l'histoire des arts, depuis l'invention de la photographie aux premières années du XXe siècle, au fil de quelques grands sujets que sont le spectacle de la ville, les rythmes de la nature, la mise à l'épreuve et l'exhibition des corps, le rêve d'une réalité « augmentée » par la restitution de la couleur, du son et du relief ou par l'immersion, et enfin le goût pour l'histoire. Elle se conclut vers 1906-1907 alors que la durée des films s'allonge, les projections se sédentarisent dans des salles et les discours s'institutionnalisent. Le cinématographe devient le cinéma, à la fois lieu et loisir de masse.
    Des essais thématiques de spécialistes du cinéma, de la photographie et de la peinture sont enrichis de 300 illustrations d'oeuvres, d'objets et de films aussi bien anonymes que signés de noms bien connus du grand public, de Pierre Bonnard à Auguste Rodin en passant par Gustave Caillebotte, Loïe Fuller, Léon Gaumont, Jean Léon Gérôme, Auguste et Louis Lumière, Jules Étienne Marey, Georges Méliès, Claude Monet, Berthe Morisot, Charles Pathé ou Henri Rivière.

  • Le cinéma de Benoît Delépine et Gustave Kervern Nouv.

    En l'espace de neuf longs-métrages, Benoît Delépine et Gustave Kervern ont bâti une filmographie unique, en marge des conventions et des diktats de l'industrie cinématographique française. D'Aaltra (2004) à Effacer l'historique (2020) en passant par Louise-Michel, Mammuth, Le Grand soir, Saint Amour et I Feel Good, les piliers de l'émission culte « Groland » sont les architectes iconoclastes d'un cinéma libre où se télescopent l'humour corrosif, le système D, le sens de l'improvisation, la poésie et la recherche visuelle.
    Conçu en étroite collaboration avec les deux auteurs-réalisateurs, Le Cinéma de Benoît Delépine et Gustave Kervern dévoile les coulisses - souvent délirantes - de chacun de leurs tournages. Film par film, le duo retrace en détail les étapes de créations successives (de l'idée de départ à la sortie du film) d'une oeuvre aussi libre que décapante. Au fil de ces entretiens se dessinent d'authentiques aventures artistiques et humaines en présence de personnalités hors-normes.
    Premier titre de la nouvelle collection « CineComedies », ce livre est illustré par des documents rares (photos de plateau, extraits de scénario et autres documents personnels) et s'accompagne de témoignages exclusifs des proches collaborateurs et comédiens fétiches du duo Grolandais, dont Benoît Poelvoorde, Albert Dupontel, Jean Dujardin, Yolande Moreau, Blanche Gardin, Bouli Lanners, Corinne Masiero et Vincent Lacoste.

  • L'atlas du cinéma : autour du monde en 360 films ; du Cuirassé Potemkine à Star Wars Nouv.

    Capri et Le Mépris de Godard, Monument Valley et les westerns de John Ford, Paris et Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain, cet atlas invite à parcourir, continent par continent, les villes les plus emblématiques, mais aussi des terres inattendues.
    Pour chaque film, richement illustré de photos et de cartes, les auteurs présentent l'oeuvre, sa place dans l'histoire du cinéma et les décors, qu'ils soient réels ou non, comme la Cité interdite intégralement reconstruite en Espagne pour Les 55 Jours de Pékin.
    Dans ce tour du monde, les auteurs montrent les liens que tissent le cinéaste avec les lieux, à l'instar de Woody Allen et New York. Ils rendent également hommage aux monuments incontournables telle la Statue de la Liberté (Ghostbusters 2, X-Men, Le Jour d'après...) ou encore la planète Mars.

  • Photogrammes Nouv.

    Quel est le point commun entre Godard, Rivette, Louis Malle, Rohmer, Chabrol, Resnais Téchiné, Amos Gitaï et Manoel de Oliveira ? Leur directeur de la photographie. Méconnu du public mais légendaire dans tout le 7ème art, Renato Berta a tourné près de 120 films avec les réalisateurs les plus mythiques de sa génération. On lui doit les images célèbres de Sauve qui peut (la vie) , d' Au revoir les enfants et des Nuits de la pleine lune. Aujourd'hui, il nous livre ses mémoires, qui vibrent d'un amour sans cesse renouvelé pour le cinéma...
    Tout débute en Suisse au début des années 1960 : le jeune Renato, lassé d'un père qu'hypnotise la télévision, fonde un ciné-club dans son lycée et y projette des films de la Nouvelle Vague française et du Néo-Réalisme italien. Cet appétit pour le cinéma le conduit à l'Ecole de Rome et à Cinecittà où il fait ses premières armes. Là, il croise Rossellini, Visconti, Antonioni, et Pasolini surtout, qui le fascine. Il commence à travailler avec des réalisateurs suisses avant de tourner aux quatre coins du monde.L'Algérie en 1969, Bangkok en 1971 d'où il voit les B52 américains s'envoler pour bombarder le Vietnam, les Etats-Unis, et, bien sûr, la France où il accomplira la majeure partie de spn parcours.
    Des saillies de Godard aux conversations avec Sartre et Simone de Beauvoir, en passant par les Black Panthers, Robert Doisneau, Ingrid Caven, Susan Sontag, Isabelle Huppert, Marcello Mastroianni, Renato Berta a connu les plus grands, en ami et en génial accompagnateur. Ses mémoires sont truffés d'anecdotes, de portraits, de coulisses. Mais ils offrent aussi une méditation sur les « questions de cinéma » : rapport au réel, travail technique, lien entre l'éthique et l'esthétique...
    Renato Berta nous transmet avec passion et humilité sa vision lumineuse et sensible du cinéma, où les certitudes n'ont pas leur place. Inventif, novateur et libre, ce livre est à l'image de cet immense « opérateur ».

  • «C'est contre le cinéma que le cinéma doit se faire. En particulier s'il veut, au sein du nouveau monde des images, incarner le plus précieux, le plus vital : la liberté de penser, d'inventer, de chercher, d'errer et de se tromper, en somme d'être l'antidote.» Olivier Assayas Constat fait de l'absence de pensée théorique du cinéma contemporain et de l'effacement de la cinéphilie, que nous reste-t-il pour penser ce que l'on persiste à appeler le septième art? Penser, c'est-à-dire donner du sens aux pratiques des réalisateurs, dépasser la fragmentation et la dépersonnalisation de leur oeuvre dans l'industrie des flux numériques... et justifier aussi qu'on puisse encore résister à l'attraction des plateformes au nom d'un cinéma indépendant et libre, avec l'éthique et les fins qui lui sont propres.

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  • Rebelle de naissance, toujours joyeusement subversive par son art, Catherine Deneuve est la figure exquise pour toutes celles et tous ceux qui désirent commencer leur vie sans avoir jamais à courber la nuque. Une leçon de liberté, de fantaisie, de choix souverains, de fidélité à l'anarchisme de l'enfance. (Arnaud Desplechin)

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  • Fan de l'univers de Wes Anderson ? À la recherche de nouvelles émotions ?

    Laissez-vous surprendre par les meilleurs clichés du compte mythique instagram Accidentally Wes Anderson, sur lequel les internautes postent des images évoquant l'univers incroyable du réalisateur.
    Avec ces 150 lieux réels qui, par la symétrie des lignes, les tons acidulés, la composition parfaite, vous invitent à regarder le monde autrement, partez à l'aventure et découvrez derrière chaque façade, chaque paysage, l'histoire du lieu.

    Avec cet ouvrage dédié aux voyageurs modernes, vivez dans la sphère Wes Anderson !

  • Michael Mann, mirages du contemporain Nouv.

    Michael Mann, mirages du contemporain est un essai monographique consacré à l'oeuvre de l'un des cinéastes américains les plus importants de ces quarante dernière années.
    À travers une étude de sa filmographie (onze films) et de son travail télévisuel, l'auteur replace le réalisateur de Heat dans une histoire du cinéma hollywoodien et européen.
    Il analyse son style et les grands thèmes qui structurent son cinéma, qu'il s'agisse de la critique du professionnalisme et de la fabrique de la Loi, du devenir des utopies à l'heure de ce que le philosophe Fredric Jameson appelait le « capitalisme tardif », ou encore de l'angoisse et de la fascination dont témoignent ses films à l'égard du monde moderne et de sa vitesse.

  • Mamoru Oshii : rencontre(s) Nouv.

    Mamoru Oshii est une légende dans la japanimation. Réalisateur du plus que célèbre "Ghost in the Shell", il est également romancier, scénariste, et mangaka, notamment pour "Jin-Roh, la brigade des loups", dont l'esthétique dystopique a laissé sa marque à travers le cinéma, la BD et le jeu vidéo. L'homme demeure pourtant mystérieux.
    Ce beau livre richement illustré tente d'élucider le mystère Oshii, avec des articles de fonds et des entretiens inédits avec le maître lui-même.

  • - Est-il possible que quelqu'un ait menacé Jean Renoir de le faire fusiller par les Allemands pour avoir réalisé La Grande Illusion, deux ans avant le début de la Deuxième Guerre mondiale et l'occupation nazie ?
    Oui, c'est possible.
    Est-il possible qu'un autre, ami du premier, ait préconisé d'opérer la « circoncision nasale » sur les femmes appartenant à l'ethnie qu'il qualifie de « putain » ?
    Oui, c'est possible, et un film de Joseph Losey le campe durement.
    Est-il possible qu'un troisième, ami des deux autres, ait plongé dans des archives et hanté les cimetières pour s'efforcer de prouver que Bernanos, Robespierre et de Gaulle étaient de sang impur ?
    Oui, c'est possible.
    Il ne s'agissait pas de délirants obscurs, de marginaux, d'illuminés ou de cracheurs de haine anonymes comme il s'en répand tous les jours sur Internet, ni de personnages d'une uchronie morbide. Mais d'un écrivain célèbre, d'un ethnologue occupant des fonctions officielles à la tête d'institutions d'importance et d'un expert en onomastique renommé à l'époque.
    « Le temps du désastre se déroule en sens inverse du temps chronologique. Au lieu de nous en éloigner, il nous en rapproche », écrit Rachel Ertel.
    Roman noir, fable, conte cruel plutôt qu'essai ou pamphlet, ce livre traverse comme un cauchemar des temps sans pitié.

    De Céline à Renoir, une plongée dans des temps sans pitié.

  • "C'est peu dire que cet ouvrage place le travail d'historien du cinéma à un niveau que l'on côtoie rarement.  La recherche effectuée durant cinq décennies est considérable." Le Monde, décembre 2008. Salué par l'ensemble de la critique, cinéphiles et passionnés de cinéma, le livre monumental de Bertrand Tavernier a connu un succès fulgurant tant par la densité de son contenu que par la ferveur avec laquelle il s'entretient avec ces cinéastes américains mythiques, oubliés, adulés ou blacklistés. Réédité augmenté de nouveaux entretiens en 2008, il ressort aujourd'hui dans une nouvelle édition en version paperback, préfacé par la poursuite des entretiens entre Bertrand Tavernier et Thierry Frémaux, qui est l'éditeur de cet ouvrage. Un sompteux album illustré avec plus de 400 photographies.  

  • Enfin le cinéma ! au musée d'Orsay Nouv.

    Si, depuis une vingtaine d'années, les expositions sur les origines du cinéma se sont multipliées, elles ont surtout privilégié la composante technologique de son invention. Le musée d'Orsay prend un tout autre parti pris et entend faire dialoguer la production cinématographique française des années 1895-1907 avec l'histoire des arts, depuis l'invention de la photographie jusqu'aux premières années du xxe siècle.
    Ce cinéma « des premiers temps » est l'héritier de multiples pratiques, savantes ou populaires, et d'une culture de la circulation des images propre au siècle de la « reproductibilité technique » et recycle une part considérable des propositions et interrogations formulées par les artistes qui les ont précédés. La mise en scène des films emprunte largement aux « grandes machineries picturales » de la peinture académique ou dite de « style pompier ». En ce sens, le cinéma est fondamentalement un art du xixe siècle ! En une décennie, le cinématographe devient le cinéma.
    Beaux arts Éditions revient sur les influences involontaires, les emprunt délibérés, les coïncidences contemporaines dont le medium naissant s'enrichit dans la proximité des Beaux-Arts.

  • Kiarostami

    Youssef Ishaghpour

    Dans sa première rencontre avec le cinéma de Kiarostami, le public européen découvrait un Iran profond : une vision contemplative, donc à distance, célébrant l'enfance et les villages, la vie dans un présent intemporel, comme intouchée par l'existence moderne.
    Complexe dans cette apparente simplicité, l'oeuvre d'Abbas Kiarostami connaîtra une transformation radicale. Il n'est plus alors un réalisateur «?iranien?», mais un cinéaste et photographe international. Animé par l'intranquillité qui l'engage à prendre la route, il semble être partout chez lui, avec le même détachement esthétique, sa sérénité, sa disponibilité, son ouverture.
    Ce livre reprend et rassemble les deux ouvrages de l'auteur sur l'oeuvre de Kiarostami publiés en 2001 et 2012. Il comprend un dialogue avec le réalisateur et photographe.

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  • Quand la cérémonie des Oscars a-t-elle été créée ?
    En quoi le passage au cinéma parlant a-t-il bouleversé le cinéma ?
    Quels sont les 10 films les plus cultes ?
    Qu'est-ce qu'un chefopérateur ?
    Pourquoi le Dernier Tango à Paris a-t-il fait scandale ?
    Quelles sont les scènes les plus emblématiques du cinéma d'Almodóvar ?
    Quels sont les 10 plus grands cinéastes de la Nouvelle Vague ?
    Qui fut le premier grand critique de cinéma ?
    Quels sont les chefsd'oeuvre majeurs du cinéma asiatique ?
    En quoi le cinéma français a-t-il révolutionné le film d'horreur ?

    Entre western et mélodrame, pionniers du cinéma hollywoodien et pin-up, le Zapping du cinéma vous offre une balade à travers les plus grands chefs-d'oeuvre d'Alfred Hitchcock, de Federico Fellini et de Martin Scorsese. Des gros plans sur le cinéma asiatique aux éclairages sur les stars du fantastique, cet ouvrage redécouvre des légendes du cinéma, dévoile des pépites moins connues, et vous emmène sur les traces de Charlie Chaplin, de Luc Besson, des frères Coen ou de Jane Campion... Au fil des pages, passez derrière la caméra et arpentez les coulisses du cinéma. Voyagez à travers son histoire, ses genres et ses festivals. Rencontrez ses stars, ses cinéastes, ses studios et ses producteurs. Action !

    - Des textes percutants et fourmillant d'informations.
    - Plus de 500 photographies.
    - Un panorama complet de l'histoire du cinéma.

  • Des frères Lumières au cinéma en 3D en passant par le western et la Nouvelle Vague, cet ouvrage explore à travers 50 films cultes, les genres, les mouvements et les techniques qui font l'histoire du cinéma.

    Un concentré de films !

  • Histoires insolites du cinéma français Nouv.

    Savez-vous que pour empêcher la sortie des Aventures de Rabbi Jacob, une femme a détourné un avion de ligne ? Que Sean Connery, considéré comme ringard, a dû supplier pour obtenir le rôle principal du Nom de la rose ? Que le réalisateur Henri-Georges Clouzot giflait ses comédiens ? Que c'est grâce aux scènes de nu de Brigitte Bardot que Saint-Tropez est devenu célèbre dans le monde entier ? Connaissez-vous l'histoire fabuleuse d'un ouvrier du bâtiment qui a obtenu le rôle principal dans un film récompensé par quatre Césars ? Et savez-vous que Gérard Depardieu a tourné un film au côté d'un véritable criminel ? Autant d'anecdotes surprenantes et drôles qui nous plongent dans les coulisses du cinéma français, depuis son invention par les frères Lumière jusqu'à aujourd'hui. Un passionnant voyage dans la petite histoire des films et acteurs qui ont contribué à bâtir la légende du 7e art.
    Petites histoires et anecdotes : dans les coulisses du 7e art.

  • Le cinéma documentaire se voulait le fruit d'un artisanat furieux, à l'écart du marché. De cette liberté des formes, les télévisions, principaux financeurs, ne veulent plus. Elles imposent des normes (commentaires redondants et montages accélérés) qui stérilisent les films diffusés et ceux qui aspirent à l'être. Une certaine tendance au conformisme s'impose. Il faudrait à la fois se conformer et donner le change en passant pour « neuf ».
    Dans les années quatre-vingt, j'ai renoncé au cinéma « de fiction » et lui ai préféré le documentaire pour sa liberté. C'est en documentaire que la parole filmée prend force et beauté, que les corps filmés, quels qu'ils soient, acquièrent une dignité - celle dont les serviteurs du marché se moquent.
    /> J.-L. C.

  • Lunettes noires

    Michel Dalloni

    Imaginées il y a bien longtemps pour se protéger du soleil, les lunettes noiresse sont imposées au XXe siècle comme l'accessoire essentiel de la garde-robe des stars. Certains modèles collent pour toujours à la peau des vedettes qui les portent. Que seraient Audrey Hepburn, Ray Charles, Karl Lagerfeld ou Madonna sans leurs verres teintés ? Qui reconnaîtrait Michel Polnareff sans ses légendaires Télésol (portées d'abord par Sophia Loren) ? "Avec mes lunettes de soleil, je suis Jack Nicholson.
    Sans elles, je suis gros et j'ai 60 ans", confiait l'inoubliable interprète de Shining. Un tel pouvoir exhausteur ne pouvait pas laisser insensible. La planète entière a fini par succomber. "Les solaires, c'est comme la barbe : c'est la revanche des moches ! Ca va à tout le monde", décrypte le journaliste Marc Beaugé. On les porte aussi bien pour dissimuler ses sentiments (tels les juges chinois du XIIe siècle) que pour séduire (n'est-ce pas Lolita ?) ou pour effrayer (comme les dictateurs Pinochet ou Kadhafi).
    Chaque seconde, 30 paires de lunettes noires se vendent dans le monde. Et Elton John en aurait acheté 20 000 à lui tout seul... Mais que se cache-t-il derrière cette industrie lucrative (plus de 20 milliards de dollars de chiffre d'affaires annuel) et ses marques mythiques (Ray-Ban, Persol, Oakley...) ? Pourquoi et comment porte-t-on des lunettes noires ? Qui les a vraiment inventées ? Quels progrès vont-elles encore accomplir ? C'est à ces questions et à bien d'autres que Michel Dalloni répond avec ce livre enquête unique en son genre, qui revisite des pans entiers de l'histoire du cinéma, du rock, de la littérature, de la mode, du sport, de la nuit et de l'érotisme.

  • «Quand j'avais vingt ans, j'ignorais si je parviendrais à devenir réalisateur mais aimer le cinéma et m'y dévouer corps et âme, je savais que c'était en moi. La cinéphilie m'a permis de trouver ma place dans l'existence.» Bertrand Tavernier Voici la conversation que Thierry Frémaux a menée avec Bertrand Tavernier pour ouvrir la nouvelle édition d'Amis Américains, qui reparait en ce mois d'octobre 2019. Pour ceux qui possèdent déjà l'ouvrage, elle est publiée en volume indépendant et de surcroit, dans une version légèrement plus longue.
    Le réalisateur, connu pour son intarissable érudition et sa cinéphilie généreuse, revient sur la naissance d'une passion et aborde de nombreux sujets liés à l'Amérique et à son cinéma : les grands auteurs classiques, la Liste Noire et le McCarthysme, la guerre de Sécession et le politiquement correct. On y croise également Clint Eastwood et Quentin Tarantino, Claude Chabrol et Jean-Pierre Melville, des producteurs de l'âge d'or d'Hollywood, quelques scénaristes oubliés ainsi que Steve Tesich et Russel Banks. Du Tavernier en direct pour un texte simulant et souvent émouvant.

  • Bienvenue à Movieland !  Vous ne savez pas quoi regarder ce soir ?Découvrez le paradis des cinéphiles ! Movieland est un immense territoire à explorer, où les villes sont des films. Naviguez sur la mer des Espions, accostez dans la baie de l'Action, descendez le fleuve de l'Amour, et parcourez le désert du Western, à la rencontre des chefs-d'½uvre du cinéma mondial.  Retrouvez dans cet ouvrage, et sur la carte jointe sous forme de poster géant plus de 1800 films à voir absolument sélectionnés pour vous, du Voyage dans la Lune (1902) à Piège de cristal (1988) en passant par Ready Player One (2018) ou Certains l'aiment chaud (1959) !Pour vous guider dans ce voyage :. Une carte géante et détachable (900 x 600 mm).. 50 itinéraires thématiques détaillés, comme autant de propositions de balades cinéphiliques.. Une check list complète des 1880 films pour cocher les films à voir... ou à revoir !  Exemples de parcours :. De Citizen Kane à L'Empire contre-attaque, parcourez un itinéraire riches en twists.. De La Jetée à Retour vers le futur, explorez un itinéraire propice aux paradoxes temporels.. De Quatre mariages et un enterrement à Sept ans de réflexion, empruntez les chemins compliqués de la comédie romantique

  • Un classique des livres de cinéma, Faire un film se présente à la fois comme les mémoires de Sidney Lumet et comme un guide possible pour aspirant réalisateur. En 13 chapitres, il décrit minutieusement toutes les étapes de la conception d'un film, de la lecture du scénario jusqu'à la sortie en salles. Pour cela, Lumet s'inspire de sa propre expérience, en nourrissant son propos d'anecdotes liées aux tournages de ses films. Il s'agit avant tout du témoignage d'un cinéaste chevronné qui pousse le lecteur désireux de tourner un film à se poser les bonnes questions, comme par exemple :
    Comment choisir un script ? Quelle focale, quel angle de caméra adopter pour telle ou telle scène ?
    Sans jargon et avec humour, Faire un film mêle habilement conseils, analyse, récit, descriptions et anecdotes.

  • Ce sont les baguettes qui choisissent leur sorcier... Et un ouvrage leur est enfin dédié !

    - L'ouvrage ultime pour les passionnés d'Harry Potter, au format baguette !
    - Guide officiel des baguettes magiques des sorciers, accompagné de dépliants.

  • « Il n'est pas dans mon intention de faire ici la leçon à qui que ce soit, ni d'imposer un point de vue. Ce livre n'a été dicté que par le désir de défricher la jungle des possibilités qui s'offrent à un art encore jeune et magnifique, toujours à explorer, et de m'y retrouver moi-même aussi indépendant et libre que possible ».

    Andreï Tarkovski, tout au long de son oeuvre cinématographique, rédige des notes de travail, des réflexions sur son art, restituant dans le même mouvement son itinéraire d'homme et d'artiste.

    À partir de son exil en Italie où il réalise Nostalghia en 1983, puis en France durant la dernière année de sa vie, il rassemble ces écrits qui sont d'abord édités en Allemagne puis dans les autres pays d'Europe occidentale où ils deviendront vite une référence incontournable.

    Il y aborde une large réflexion aussi bien sur la civilisation contemporaine que sur l'art cinématographique : son ontologie et sa place parmi les autres arts, ou des aspects plus concrets comme le scénario, le montage, l'acteur, le son, la musique, la lumière, le cadrage.

    Puisant dans son expérience de cinéaste, dans sa vaste culture littéraire, se remémorant ses années de formation, les luttes interminables pour terminer ses films à l'époque soviétique, Andreï Tarkovski offre ici le livre-bilan d'un artiste en recherche de sens, d'un homme qui consacra son inépuisable énergie à « fixer le temps ».

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